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综合前面的一些课程,我已经把前期录音的基础部分都讲过了。现在,咱们来说说缩混。

谈到缩混,就不能不说编曲。因为编曲的时候所选用的音色对缩混有着至关重要的影响。

有些时候,有些朋友听到一首歌,觉得效果不太好,就开始骂录音师,说录音师的缩混很糟烂等等。

其实这些朋友你们有没有听过这首歌没缩混之前的样子呢?就象有一次,我给某乐队缩混,完了之后,

他们说我缩的BASS打弦音色不够漂亮,于是我问他们,想要什么样的BASS音色,于是他们给我找了一盘CD

说让我缩出那上面的音色感觉来,

我听过之后,从合成器的ROLAND音色扩展卡“bass & drum"里找出第一号音色,问他们是不是要这种打弦音色,他们说没错。

我于是打开频谱仪,让他们看那个BASS音色的频谱,在4500hz上有明显的凸起,

然后我又放那个BASS手弹的BASS1500hz以上就什么都没有了,我告诉他们,你们所说的那种音色感觉,

主要就是在4500hz上体现出来的,但是你们用的BASS音色不好,我早就说过,但是你们不换,

那我有什么办法?那个BASS手说,某录音棚里的录音师说了,无论BASS原来什么音色,

都可以作出这样的效果,我说:“那你把那个录音师找来,我付他钱,只要他能作到,就当我交学费了。”

他说马上就去找,结果也没下文了。

其实,这不是笑话吗?你原来的音色在这个频点上根本什么都没有,我怎么能生造出来呢?

同样的话,也适用在其他的缩混上,如果编曲的时候,没有充分考虑到音色的选用对音乐整体效果的影响,

那么,就很难作出一首优秀的作品来。

我也作编曲,记得我刚开始作编曲的时候,进棚的时候,就出现过被一些老录音师骂的情况,

他们说的就是我音色选用有问题。当然,一首作品,如果整体效果有问题,有可能是各方面的问题,

我所说的只不过是可能性之一,大家千万不要以为都是编曲的事,

我也确实听到过缩混以后还不如缩混以前的作品,说句不好意思的话,这样的事我也干过。

好了,言归正传。先说一下缩混的过程,这个过程根据每个人的习惯不同会有所不同。

我的习惯是,只要这首歌里面有BASS和鼓,我就先缩他们。

首先是BASS DRUM(地鼓)。

地鼓的声音主要就是一个厚薄的问题,并不是所有的地鼓都越厚越好,而是要根据歌曲的整体风格来定的,

在地鼓的缩混过程之中,要注意不要因为因为增加地鼓的厚度而导致谐波叠加,

那样会使声音听起来很不谐调,而且容易产生听觉上的过载,也就是说,明明电平没有破,

但是听起来已经破了。

我们大家都知道一句话,叫做“贝司跟地鼓”,实际上这句话说的是贝司和地鼓的音色要统一,不能脱离开,

因为BASS和地鼓是整个音乐的“地基”如果这两件乐器分离开了的话,就会感觉整个歌曲不稳定。

至于具体做法,我会在后面讲到。

处理完BASS和地鼓之后,我们再作其他的鼓的部分,

我通常是先作军鼓,然后是HIHATTOMCYMPERCUSSION,最后是一些打击效果音色,

那么整个鼓和BASS缩混初步完成之后,单独来听,已经是有很完整的声场的。而不是感觉很干,或者很窄。

也就是说,如果这首歌有整套鼓的编配的话,那么在鼓和BASS都缩混完成的时候,

整个空间架构就应该已经搭好了。而且,整个空间的各个主要相位点都已经能够被占据了。

在这里,我先说一句,我所讲的这种缩混方法是比较传统的缩混方法,现在的很多的缩混已经有很多改变了,

我自己也作了很多在缩混上的改变,

但是,从基础的角度来说,我讲的这些东西能够让更多的朋友尽快的掌握规范的缩混方法,

先学走,然后才学跑嘛。

然后,是钢琴,或者是吉它,就看这两种乐器哪个在歌曲当中更占主导地位了,

也就是说,缩混完鼓和BASS之后,接下来缩混在所有乐器中最占主导地位的音色。

如果是钢琴或者是吉它的话,要注意的是,不要因为突出这个音色而导致乐队的整体比例失调。

拿钢琴来说,如果仅仅是一个钢琴的话,当然是越厚重越好,中高频越嘹亮越好,

但是如果和乐队合在一起的话,就不一定是这样了,首先,他的厚重部分不宜超过BASS

而其嘹亮的部分也最好不要超过鼓组中的军鼓。因为一旦钢琴的力度感太强,超过了鼓的力度感的话,

就会感觉整首歌当中,鼓组是多余的,完全不必要的。

接下来,是更次要的乐器,还是遵循上面的原则,不要超过主要乐器的声场范围,和力度范围。

依此类推。但是,有一点是例外,当一些特殊音色偶尔的点缀在音乐中的时候,

是可以在一瞬间凌驾于所有乐器的声场之上的。但决不可长久。否则会让人感觉喧宾夺主。

我补充一句,次要乐器与主要乐器的关系绝不仅仅是音量的关系,

可千万不要以为把次要乐器的音量作得比主要乐器都低,就可以了,是一种声场关系,具体的我后面再讲。

乐队缩混完毕之后,最后是缩混人声,在主流音乐的缩混中,人声的最关键就是要让听众能听清每一个字。

好了,这次我只是就缩混作一个简单的介绍,关于EQ,压限、效果器等等,我将在后面详细的讲。

大家不要着急,我都会讲到的。

 

录音基础教程九:缩混--EQ(一)

 

首先,还是来说一些EQ的基本概念吧。EQ是均衡器的缩写。它的基本作用是通过对声音某一个或多个频段进行增益或衰减,达到调整音色的目的。当然,EQ还有一个显著的功能,降噪。

EQ通常包括如下参数:F(requency),频率――这是用于设定你要进行调整的频率点用的参数;G(ain),增益――用于调整在你设定好的F值上进行增益或衰减的参数;Q(uantize)――用于设定你要进行增益或衰减的频段“宽度”。要注意的一点是:当你设定的Q值越小的时候,你所处理的频段就越宽,而当你设定的Q值越大的时候,你所处理的频段就越窄。

我们常见的均衡器有几种,一种是最简单的,定频点、定Q值三段均衡器。这种均衡器,在比较低端的调音台上经常可以见到。分别标注:LOWMIDHIGH来代表他们所处理的频段。这种均衡器大部分属于低端产品,除了增益以外,没有可调性,也比较欠缺专业水准。还有一种是定Q值、定频点的多段均衡器。这种均衡器,在现场扩声的时候常会用到。用于补偿现场的声场。大概从20段左右的到40段左右的比较多见。再有,就是我们现在主要要讲的,录音中常用的不定值均衡器,常见的有3段的或者4段的。这样的均衡器没有任何参数是预先设定好的,都需要我们自己去调整。

接下来,插一个大家常问的问题。那就是:到底在前期录制乐器或者人声的时候,是否需要加EQ?关于这个问题,大家已经讨论过很多次了,每个人的习惯不同,做法也会有所不同。我在这里,只是说明我个人的看法。首先:我们无论对声音作什么样的处理,都是为了音乐的整体服务的。也就是说,直到一首歌缩混完成的时候,我们才真正的确定我们到底想要什么。那么,如果你在前期录制的时候就由于无论任何原因把声音加了EQ处理的话,那么在后期缩混的时候,你就没有后悔的余地了。是不是?

一、降噪

现在,我们先来说一下EQ的降噪功能。我们录音无论是用于何种用途,我们都会希望得到最好的声音,但我们在录音的过程当中,由于种种不可预见的原因,经常会产生各种噪声,或者是我们不想要的乐器泛音。这时,我们可以用EQ来达到降噪的效果。在讲到这个话题的时候,我不得不说的是,我依然坚持我一贯的观点,无论如何,我们要想尽办法争取在前期录制的时候,得到我们能够得到的最好的声音。而不要依赖后期的处理。因为无论你用了多么先进的设备,或者多么高级的软件,后期的处理都会在某种程度上增加声音的损失。而且,在缩混的时候,我们由于要兼顾降噪和音色处理,会使我们的缩混创造受到束缚。

1 超低频噪声:这种情况可能是由于我们的录音棚建造在嘈杂的市中心,或者录音棚下面有地铁经过导致的。比如,中央音乐学院里面的某一楼录音棚,由于其下面有地铁经过,站在里面会经常感觉到极轻微的振动。这中噪声的频率非常低,并且不在我们任何的乐音频率范围之内。所以我们可以非常大胆的切他一刀。不过,需要说的是,这种噪声因为其频率非常低,几乎超过了人耳的听觉范围,所以经常会被我们忽略,在这种情况下,我们可以利用频谱议来对声音进行扫描,一旦发现这样的噪声,立即去除,否则,当你的音乐缩混完成的时候,会感觉低频部分非常脏而且没有力度。在处理这样的噪声时,直接使用EQ的低切就可以了。也就是把低于某个频率点的声音全部过滤掉。

2 电器或干扰噪声:我们的录音间当中的电源大部分不会去用动辄十万元以上的高端稳压设备。而且,我们在录音的时候,是有很多设备都同时工作的,那么,就会无可避免的产生电器之间的干扰而导致噪声。其实,很多数字低端调音台的声音听起来有些脏,就有一部分是由于这个原因导致的。这种噪声在高频和低频部分都可能产生。我们可以分别用高通活低通滤波来消除他们,当然,这种噪声的消除,要建立在不损失原声音质的情况下。比如,我们可以开启低通滤波,然后逐渐升高滤波频点,直到我们听到全部的乐器原声,然后,我们再关掉滤波,对比一下原声和处理后的声音,看看是否损失了什么。其实,我们要过滤掉的,也就是极高频那一小部分,或者极低频的一小部分。

3 平衡与非平衡的传输噪声:在我们录制电吉它的时候,非常容易发生这样的情况。会听到电吉它发出嗡嗡的噪声,这个噪声大部分产生在50hz左右,解决这样的噪声,最好是用改变其物理连接,而非用EQ。比如,大部分的电吉它都用的是非平衡的音频输出,那么,我们要尽量减短非平衡线路的长度。并且记住,在吉它信号进入调音台以前,一定要用DI盒进行电平匹配,这样,我们才能得到更加干净的声音。

4 谐波共振与泛音啸叫噪声:这种噪声不但会破坏你的声音,而且还会使电平过载。举个例子,电吉它的声音里,尤其是失真吉它,它的高频部分正是我们想要的,但其实电吉它最漂亮的声音高频部分大多在8khz以下,我们可以把多余的部分用低通滤波去掉。这样,可以使声音尽量干净。另外,在大多数情况下,我们都希望听到平滑、圆润、流畅的声音,但我们的乐器经常会由于不必要的泛音而产生“啸叫”(不是由于回授产生的那种啸叫)。

具体说,就是在我们听一段吉它SOLO的时候,我们会突然感到有一声或者几声非常突出,或者刺耳。或者是,BASS的某个声音,我们会感觉它和整个房间都在一起振动,这些都是会破坏我们音乐的声音。我们可以先设定一个极高Q值的EQ,大幅度的进行增益(大概612db,当然,我们需要先降低我们的监听音量,否则会损伤我们的耳朵或监听设备)。然后,通过调整频率点来找到你不想要的声音振动的频点进行消除。通常,将你找到的频点衰减6db左右就够了。

不过,需要注意的是,大部分缩混用的均衡器的Q值都无法达到那么大,也就是说,它所调整的频段宽度无法达到我们需要的那么窄,如果用硬件的话,我们最好用一个定Q值的,多频段均衡器,因为这种均衡器的Q值通常很高,带宽很窄。如果用软件的话,我推荐用WAVESQ系列EQ

另外需要注意的是,一件乐器里可能有不止一个频点需要你作这样的调整,我们一定不要在这方面偷懒,一定要花时间去一遍一遍的听,直到整个乐器听起来都是平滑而流畅的。

 

录音基础教程十:缩混--EQ(二、声音的润色)

 

1EQ用好了,可以让我们对声音进行润色,用不好,就会破坏声音。尽量不要“切”掉某些声音的频段,记住:EQ对于声音最主要功能是润色,而不是“修理”。另外,不要为了使用EQ而使用EQ,只有当真正需要的时候才去使用它,因为,无论在什么时候,保持声音的自然将是最好的。

2、每一种声音分为下面几个部分:基音、主泛音、副泛音和高频泛音。每一件乐器的基音频段都是很窄的。比如说,标准音A这个音,他的基音仅仅指440hz,而不包括其他的倍频。

提升一个声音的主泛音,会使声音更加温暖或者更加冰冷。提升一个声音副泛音,会使声音更加柔软、平滑,并且更加突出。提升一个声音的高频泛音,会使声音更有湿润的感觉。但是,以上我所说的仅仅是泛指,因为,每一种乐器发声的时候,都会有数十个甚至上百个泛音同时发生。而其中有些泛音会对声音产生积极的影响,而有些泛音却相反。并且,并不是所有对声音有积极影响的泛音都集中在一个区域内。所以,我无法告诉大家一个准确的数值。并且,在我们计算倍频程的时候,各种乐器的算法也是不同的。并不是向再均衡器上那样,有一个固定的倍频程计算方法。

那么,我们要怎么样才能找到每一件乐器的好听的那个“点”呢?其实,没有真正的规律,只有依靠我们的耳朵,在我们调整EQ的时候,先用扫频的方式(这种方式上节课已经讲过使用方法了)来确定那些频段是我们真正想要提升或衰减的,然后再去进行适当的处理。

3、在作声音润色的时候,尽量不要叠加两块以上的EQ同时使用,因为这样有可能导致你对EQ所调整的频段混淆,而破坏声音。另外,EQ还有调整声音远近的作用,一般情况下,我们作调整声音的远近感觉的时候,通常都用混响或者DELAY,或者两者结合使用。但是,在自然界当中,声音的远近感觉不仅仅是由混响决定的,因为声音在空气中传输的时候,随着距离的增加,高频的损失会比低频更加快,那么,当我们想要制造出一种听起来比较远的声音的时候,我们不仅仅需要用混响来调整声音的空间感,而且,还要用EQ来调整除了混响以外的原本声音,以使声音具有真正的距离感。

另外,我们通常都追求亮丽的声音。但是,过多的亮丽的声音会使各个乐器之间更难于融合,而使音乐缺乏整体感觉。那么,在这种时候,我们可以通过衰减一部分声音的低频或高频,使声音溶入整个音乐当中。当然,你也可以增益这些频段,看情况需要了。但是,要注意的一点是,不要过分的提升高频或低频,否则会使音乐太“HIFI”,并且由于人的听觉音量是有限的,在相同的音量下,会使中频听起来比较弱,并且没有力度。

4、如果两个乐器在演奏相同的声部,那么我们就很难让他们听起来是两个不同的东西。与其这样,不如干脆就把他们变成一种声音,其实,这也是合成器上制作复合音色的原理。因为如果你一定要时他们听起来是两个不同的声音,只会使每一个声音都失去其应有的力度以及穿透力,但当你试图把他们变成一个声音的时候,你会发现,你已经创造出了一种新的乐器,一种新的音色。

5、制作真正丰满的音色:也许在你缩混完成一首歌之后,你会觉得这首歌的声音薄,不够冲击力等等,但是,你决不可以单纯的加整体EQ来迫使它变的浑厚,或者变得有冲击力,那样,会使你的音乐听起来非常业余。真正好的缩混在音色上是有很多讲究的。

我在这里先大概说一下:低频乐器的音色要有宽广而低沉的力量,但不是浑浊。高频乐器比如镲,要有让人能够兴奋起来的爆炸感,但不是刺耳。

至于箱琴,要使其具有想丝绸一般的光泽。我所说的这些都是一些感觉上的东西,真正在缩混的时候,要靠大家自己把握,因为几乎所有的缩混的情况都是不同的,没有办法说出一个统一的答案。

最后,我要提醒大家几个原则:

第一、不要为了使用EQ而使用EQ,有很多音色不用EQ的时候就已经很好了,你如果用了EQ可能会使他更糟糕。

第二、EQ是一个音色的润色工具,而不是音色的修理工具(虽然它可以做到)。

第三、EQ没有真正的规律,所有的声音的调整要依靠你们自己的耳朵和音乐感觉。

第四、当我们觉得已经完成缩混的时候,一定要休息一会儿,缓解耳朵的疲劳,然后再来听一遍,你可能会发现原来的处理有不妥当的问题,不用担心,这非常正常。只要把你认为不好的声音再润色一下就可以了。

第五、整个音乐的频率均衡非常重要,不要为了突出某一个乐器而破坏掉它。

第六、PANEQ的结合非常紧密,同在一个定位点的声音尽量要避免在频率上的冲突,否则会脏。

第七、无论你有多少缩混的经验,以及你有多先进的设备,记住:前期录制的时候干净还原的声音是最重要的。远远比后期再去补偿要重要的多。

好了,这节课,我就说到这里,在下个章节中,我将详细讲述各个频点在调整音色时的作用。以利于大家参考。

在撰写本章节的时候,作者得到了国内著名录音师元元先生的大力支持,特此感谢!

 

录音基础教程十一:缩混--EQ(三、一些常用频点的作用)

50hz,这是我们常用的最低频段,这个频段就是你在的厅外听到的强劲的地鼓声的最重要的频段,也是能够让人为之起舞的频点。通过对它适当的提升,你将得到令人振奋的地鼓声音。但是,一定要将人声里面所有的50hz左右的声音都切掉,因为那一定是喷麦的声音。

70100hz,这是我们获得浑厚有力的BASS的必要频点,同时,也是需要将人声切除的频点。记住,BASS和地鼓不要提升相同的频点,否则地鼓会被掩没掉的。

200400hz,这个频段有如下几个主要用途,首先是军鼓的木质感声音频段;其次,这是消除人声脏的感觉的频段;第三,对于吉它,提升这个频段将会使声音变的温暖;第四、对于镲和PERCUSSION,衰减这个频段可以增加他们的清脆感。其中,在250hz这个频点,对地鼓作适当的增益,可以使地鼓听起来不那么沉重,很多清流行音乐中这样使用。

400800hz,调整这个频段,可以获得更加清晰的BASS,并且可以使通鼓变得更加温暖。另外,通过增益或衰减这个频段内的某些频点,可以调整吉它音色的薄厚程度。

8001khz,这个频段可以用来调整人声的“结实”程度,或者用于增强地鼓的敲击感,比较适用与舞曲的地鼓。

1k3khz,这个频段是一个“坚硬”的频段。其中,1.5k~2.5k的提升可以增加吉它或BASS的“锋利”的感觉;在23k略作衰减,将会使人声变得更加平滑、流畅,否则,有些人的声音听起来唱歌象打架,你可以利用这样的处理来平息演唱者的怒气!反过来,在这个频段进行提升也会增加人声或者钢琴的锋利程度。呵呵。总的来说,这个频段通常被成为噪声频段,太多的话,会使整个音乐乱成一团,但在某种乐器上适当的使用,会使这种乐器脱颖而出。

3k6khz,声音在3k的时候,还是坚硬的,那么,不用我说,大家也知道该作什么了吧。至于6k,提升这个频点可以提升人声的清晰度,或者让吉它的声音更华丽。

6k10khz,这个频段可以增加声音的“甜美”感觉。并且增加声音的空气感,呼吸感。并可增加吉它的清脆声音(但要注意,一定不要过量使用)。PERCUSSION、军鼓和大镲都可以在这个频段里得到声音的美化。并且,弦乐和某些的合成器综合音色,可以在这个频段得到声音的“刀刃”的感觉(我实在不知道该怎么形容这样的声音)。

10k16khz,提升这个频段会使人声更加华丽,并且能够提升大镲和PERCUSSION的最尖的那个部分?。但是,需要注意的是,你一定要首先确认这个频段内是有声音存在的,否则的话,你所增加的肯定是噪声。呵呵。

EQ的总结:上个章节,我已经说过了一些,这次,我补充一些。很多录音师认为EQ的作用在于衰减而不是提升,我个人不这么认为,而且,在我缩混的众多作品当中,我也从来没有这么用过。当然,如果你的均衡器的品质过于糟糕,那我也没办法了。

另外,不同的均衡器出来的效果也是不一样的,千万不要以为在这个均衡器上你这么作可以得到满意的声音,那么在别的均衡器上也可以,这是错误的观念。至于造成这种结果的原因,你恐怕得去问均衡器的生产厂家了。

好了,关于EQ,我暂时讲到这里,以后想起来再补充,下次我来讲压限器。

录音基础教程十二:缩混--关于乐器的摆位和混响的初步使用(part 1

非常抱歉,已经将近一年没有继续写教程了,一是因为太忙,二是总能不断发现自己在缩混过程中存在的一些缺陷,所以也就一直没有写。到现在,已经实在不忍心再拖下去了,就算仍然有缺陷,也仍然把我所知道的写出来,望大家指正以及共同讨论。

上一次,我讲到EQ的时候,曾经说过,对于EQ的调整,可以改变声音的距离感。最显著的做法是降低声音的高频,能够使声音听起来更远。但是,这样的做法显然是不适合当今的流行音乐缩混的。因为,现在的流行音乐,越来越多的追求声音的细节,以及音乐的响度。而对于音色之中高频的衰减,会丢失音色的细节以及损失音乐的响度。相比之下,用EQ辅助调整声音距离感的做法,更适合用于影视作品的缩混。

现在,言归正传,说一说流行音乐的乐器摆位。首先,要明确一点,除了BASS DRUMBASS具有比较常规的摆位以外,其他的乐器几乎没有什么在摆位上的规律。

那么,首先,就来说BASS DRUMBASS。曾经有人说,这两种乐器不能摆放在完全相同的相位上,会导致两种乐器声音的模糊不清。我个人不同意这种说法。因为在当今的流行音乐中,BASS DRUMBASS本来就是可以当作同一件乐器来处理的。两种乐器都是整个音乐的基础部分,而且,都具有那么多相同的频响。如果硬要把他们分开的话,会导致音乐的基础部分不稳定,并且使整个音乐欠缺凝聚力。既然是基础,那么,他们在常规的音乐缩混中就要摆放在最中间的位置。

然后,我们再来摆放同样最为乐队基础的其他打击乐部分。首先是SNARE,在早些年,大部分的音乐中,把SNARE放在音乐的偏右方向,也就是大概1点到2点之间的位置。这是为了体现其临场感。SNARE在现场摆放时,大部分摆在鼓手的左手边,但比HIHAT偏右。也就是在观众的偏右方向。但是,在右边的SNARE会使音乐的冲击力降低。现在的流行音乐中,如果要求乐队的大冲击力,就有越来越多的时候把它摆在中间。由于SNAREBASS DRUM处于基本完全不同的频段,所以不用担心会相互之间产生干扰。但是,如果是JAZZ或者一些非常柔和的音乐风格,那最好还是把它摆在偏右的地方。

下面是HIHATHIHAT需要摆放在右边的地方,大概在23点的地方。原因我想不用我多说了吧?现在还有的时候会有两轨HIHAT,分别在左右两边,打击的节奏不完全一样,有点类似DOUBLE的感觉。

接下来是TOM,大家如果用的是音源里出来的声音,那么,直接按照音源里的声相摆位录制成为立体声即可。如果是从录音棚里录的真TOM,那么,所用的鼓三通或者四通的比较多。如果是三通,那么高通摆在12点~1点中间的位置上,中通摆在10点半~11点半的位置,地通摆在9点到10点的位置上。如果是四通的鼓,则需要把最高通摆在1点半~2点半的位置上,其他的和三通的一样。

最后是CYMBAL,大部分的情况下,我们会使用其中的三个,最左边的、最右边的,和中间的。同样,如果是音源里的声音,那么,直接录制立体声轨就可以了,如果是真正从录音棚里面录的,要记住,它们和TOM的摆位几乎是相同的,但是不同的是,CYM的最左边的一个,比TOM最左边的一个还要偏左一些,右边的也要偏右一些。

此外,还有一些其他的打击乐,比如COW BELLBELL DRUM等等,大家可以根据平衡的原则随意摆放,并没有什么特别的规则。但是,所有的打击乐在摆位完成以后,整体听起来要有平衡感,不能有任何一件乐器特别的突出,或者从整体的声相中脱离出来,原则上讲,打击乐不会有任何一件乐器处在音乐的极左或者极右的位置。

录音基础教程十三:缩混--关于乐器的摆位和混响的初步使用(part 2

接下来,我来说说一些其他乐器的摆位。首先是钢琴,现在用真钢琴的情况已经越来越少了,如果是音源的钢琴,大部分就维持其在音源中的声像就可以了。不用特别摆位。

然后是吉它。一般情况下,打底的吉它有两轨,可以摆在一左一右,而其在左右的程度,则视音乐风格来定。普通的流行音乐,可以摆在左右70%的位置,这样可以使吉它更好的融合在其他乐器里面。但是这样也有另一个问题,那就是如果有相同音色的吉它SOLO,如果摆位不当,就可能产生声场模糊不清的现象,可以这样解决,当SOLO出现的时候,可以把打底的吉它略向左右摆一些,空出更多中间的位置给SOLO

如果是R&B或者一些UNPLUG风格的东西,甚至于是TRANCE,都可以把吉它摆在极左和极右。这样更有利于突出每一件乐器的细腻感。

其实,如果从原则上来说,每一件乐器摆在哪里,都是可以的,因为缩混本来就是一个再创作过程。但是,如果你不想让乐器听起来很浑浊的话,那最好能在摆位上多动动脑子,让他们听起来有些区别。而不是乱糟糟的堆在一起。

那么除了左右以外,乐器的摆位还要分出前后来,这样,才能形成一个有立体感的空间。那么,前后就是用混响器来作的了。

首先,我先来说常规的混响器使用方法。混响器通常包括以下参数:房间大小,早期反射时间,混响时间,早期反射与混响的比例,混响密度,高频滚降时间以及低频滚降时间等等,有些还可以调节混响的高中低频段的比例以及频点。 在最基础的混响使用中,要确保绝大部分的主要乐器使用相同的混响参数,仅仅是混响比例不同,这样,才能造成所有乐器在同一个空间里演奏的效果,否则,就会造成空间感的混乱。当然,一些特殊效果的声音除外。那么,接下来,就是调整声音的远近了。那么,到底什么样的声音应该放在最近的地方,什么样的声音应该放在最远的地方呢?

下面,我提供一个最常规的摆放方法,仅供大家参考,有些时候,乐器的远近和现场的乐器远近并不完全相同,比如,CYMBAL,在整个的鼓组当中,它是被放在最前面的,但是,我们在缩混的时候反而将它放在鼓组的最后面,至于原因,因为它的高频非常多,如果放在前面,会导致整个音乐太炸,甚至会影响到人声。那么,最前面是什么呢?是BASS DRUMBASS。往后是SNARE,再后PIANOGUITAR,然后是HIHATCYM,弦乐群一般放在最后,对乐队形成一个整体的包容感。当然还有一些铺底的音色,和弦乐是放在相同的距离上的。SOLO乐器基本要和SNARE放在相同的距离上,为的是更明显的突出SOLO

那么,似乎这个章节讲到这里也就没什么更多好说的了。说到最后,就是,摆位可以随便摆,远近也可以随便放,最重要的是整个音乐的个性和均衡度,在这两者中,无法辨别哪个更重要一些,音乐不能没有个性,也不能没有均衡度。看你怎么去处理。 另外,这个章节既然说到了混响器的使用,就要说得全面一些。

几乎所有人都知道,混响器的作用是调整每一件乐器或者人声在声场中的距离的。但是,并不是所有人都知道,混响器和EQ以及压缩器一样,也是作音色的手段之一。因为每一种声音在不同的混响条件下发出来,听起来是不相同的。那么,我们可以用混响器的某些条件,比如:混响时间、反射时间,或者混响和反射的比例等来制造出不同听感的音色,然后再将这些音色融入这个乐队中去。但是,对于这样的要求来讲,PC机上的软件混响,就显得有些无能为力了。只好依靠硬件混响,或者基于DSP运算的混响了,比如PROTOOLS HD,或者PUL


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